La cantautora irlandesa Janet Devlin se adentra en un nuevo terreno con “Move A Muscle”, un tema íntimo de country-pop que cambia las historias habituales de desamor por suavidad, sensualidad y una vulnerabilidad juguetona.

Compuesta junto a su colaborador habitual, Angus Parkin, antes de las sesiones en los estudios Blackbird de Nashville, la canción nació a partir de un riff de guitarra y fue creciendo hacia una producción minimalista y de desarrollo lento, construida alrededor de la interpretación vocal cercana de Devlin.

“Move A Muscle” es ella en la cama con él y sin ganas de irse.

Está en sus brazos. La llevó al cuarto. Quiere ser su despertador, pero todavía es la mañana de la noche anterior. Un beso le sabe mejor que el café. No quiere cortar ese momento: los dos están tapados, juntos.

Sabe que tiene que irse. Ya llega tarde. Igual no quiere mover un músculo.

Devlin canta sobre dos personas que saben que ya no son tan jóvenes como antes, aunque todavía son más jóvenes de lo que algún día serán. Ella pensaba que ya no quería volver a vivir algo así. Hacía mucho que no se quedaba tanto tiempo en la cama, desde los 17 años.

Ahora no tiene apuro.

Las luces están bajas. El mundo puede esperar.

“I don’t wanna move a muscle, babe.”

No hay una pelea ni un adiós. Tampoco hay una historia de desamor que necesite ser resuelta. Solo está el deseo de quedarse un rato más, aun sabiendo que el día ya comenzó y que, tarde o temprano, tendrá que levantarse.
 

Con “Move A Muscle”, Janet Devlin presenta una nueva muestra de su música country, acompañada por un visualizer que lleva la intimidad y la sensualidad de la canción a las imágenes. El single, editado por OK! Good Records, es el tercer adelanto de su próximo álbum de estudio, grabado en Nashville.

En “Don’t Tell My Wife”, Chris Janson cuenta la historia de un marido que disfruta hacer las cosas a su manera y que, en más de una ocasión, prefiere que su esposa no se entere.

En una de las situaciones que plantea la canción, ve una camioneta que le gusta y decide comprarla, aunque no puede permitírsela y tampoco la necesita. Después, cuando llega el momento de hablar de la compra, simplemente dice que no compró nada.

En otra parte, asegura que se va a trabajar, pero en realidad se dirige al campo. Más tarde, cuando llega el momento de hablar sobre la cacería, también tiene una respuesta preparada: no cazó nada.

Todas estas situaciones llevan a la misma frase: “don’t tell my wife”.

El protagonista no presenta sus decisiones como algo grave. Para él, se trata de disfrutar las cosas que le gustan y hacer lo que quiere. El problema aparece cuando llega el momento de contarle a su esposa lo que hizo.

Ese juego entre lo que hace y lo que después intenta ocultar es el centro del humor de la canción.
 

Una canción escrita junto a su esposa

En un post compartido por Chris Janson en su cuenta de TikTok aparece otro detalle de “Don’t Tell My Wife”: el cantante escribió la canción junto a su esposa, Kelly Roland, también conocida como Kelly Lynn.

El dato suma una cuota de complicidad a la historia. La mujer que, dentro de la canción, no debería enterarse de las cosas que hace su marido también participó en la creación del tema.

Janson coescribió “Don’t Tell My Wife” con Kelly Roland y la coprodujo junto a Joe Lasher.

La canción formará parte del próximo álbum de Chris Janson, junto con “Fun”, su anterior single en colaboración con David Lee Murphy.

Así, la idea detrás de “Don’t Tell My Wife” también funciona fuera de la canción. Janson canta sobre un marido que intenta mantener algunas cosas en secreto, mientras su propia esposa ayudó a escribir la historia.

 

@thechrisjanson

“Don’t Tell my wife” just wrote this! Lol with my wife. How many guys can relate?

♬ original sound - Chris Janson

Chris Janson, de Missouri a Nashville

Chris Janson nació en Perryville, Missouri, Estados Unidos. Poco después de terminar la escuela secundaria se mudó a Nashville, Tennessee, para perseguir su sueño de dedicarse a la música.

Con el tiempo, Nashville se convirtió en su hogar y en el centro de su carrera dentro de la música country. Actualmente, Janson vive en la zona junto a su esposa y sus hijos.

“Don’t Tell My Wife” suma ahora una nueva canción a su camino musical, con una historia sencilla, humor y una colaboración muy especial detrás de su creación.

Las Sunny Cowgirls encontraron una manera divertida de hablar sobre uno de esos personajes que existen en muchas familias: el padre que vive pendiente del clima. En “Weather Dad”, el dúo australiano convierte esa costumbre en una historia llena de humor y situaciones cotidianas.

La canción habla de ese papá que revisa constantemente el pronóstico, sigue las tormentas en el radar y llama para avisar que hay que sacar la ropa del tendedero antes de que llegue la lluvia. También es la persona a la que todos consultan cuando hay que decidir si una fiesta puede hacerse al aire libre.

La historia tiene además un detalle familiar. Al final, queda claro que esa obsesión viene de generaciones anteriores: el abuelo también era un “weather dad”.
 

El regreso de las Sunny Cowgirls

“Weather Dad” marca el regreso de las hermanas Sophie y Celeste Clabburn, criadas en el área rural de Victoria y posteriormente radicadas en Gunnedah, Nueva Gales del Sur. A lo largo de su carrera, las Sunny Cowgirls han llevado a sus canciones distintas experiencias de la vida rural australiana.

El sencillo fue lanzado el 7 de agosto de 2026 a través de ABC Music. La producción y mezcla estuvieron a cargo de Matt Fell, mientras que William Bowden realizó la masterización. El resultado recupera el sonido alegre y energético que caracteriza al dúo, junto con su particular forma de contar historias.

“Weather Dad” llega casi exactamente diez años después de “Cowboy”, presentado por las Sunny Cowgirls como su videoclip más exitoso, con millones de reproducciones en YouTube desde su lanzamiento en agosto de 2016. El nuevo video cuenta con la participación del comediante australiano Peter Rowsthorn y suma humor a la historia de un personaje cuya particular obsesión por el clima resultará familiar para muchos.

Aunque en 2019 las hermanas regresaron brevemente al estudio para grabar el EP Happy Days, este nuevo single representa su regreso a la primera línea del country australiano.

El videoclip de “Weather Dad” cuenta con la participación del comediante australiano Peter Rowsthorn, quien interpreta a un personaje que puede resultar familiar para cualquiera que conozca a un padre con una particular obsesión por el clima.

Revisar el radar meteorológico, advertir sobre las tormentas y mandar a juntar la ropa del tendedero antes de que llueva no es solamente una costumbre para este “Weather Dad”: es casi una profesión. Las Sunny Cowgirls llevan esa escena familiar al terreno de la música country con el humor que siempre las ha caracterizado.

El regreso también se traslada a los escenarios, con el dúo confirmado para presentarse en festivales de música country de Australia como el Mandurah Country Music Festival y Regfest.

En “Trouble”, la protagonista de esta historia sabe exactamente quién fue la mujer que se llevó a su hombre y también sabe cómo llamarla.

El nuevo videoclip acompaña al sencillo que la artista estadounidense lanzó en 2026, una canción coescrita con Nick DeLeo en la que Whitney le habla directamente a esa otra mujer.

No hay misterio sobre lo que pasó. Ella perdió a su pareja y quedó con el corazón roto. La otra se quedó con él.

Whitney describe a esa mujer con imágenes muy concretas: el humo del cigarrillo que tapa su perfume y un rímel barato que termina apagando su maquillaje. Es morocha, llega al pueblo, arma lío y desaparece antes de que salga el sol.

Para Whitney, a mujeres como ella les dicen “Trouble”.

Y la pregunta aparece de frente: ¿qué le está haciendo?

La respuesta también es clara. Esa mujer consiguió lo que quería, mientras Whitney tuvo que quedarse sola con las consecuencias.

Él se enganchó con el peligro durante una noche. Ella, en cambio, pensaba que lo suyo iba a durar para siempre. Intentó no escuchar esa voz interior que le advertía cómo podía terminar todo, pero en el fondo ya sabía cuál sería el final.

En otro momento de la canción aparece una imagen todavía más personal. Él solía llamarla su ángel, pero ese ángel se apagó cuando “Trouble” entró en escena.

Y Whitney no necesita describir demasiado a su rival para dejarla en claro: tiene un tatuaje en el muslo y una mirada que parece anunciar que nunca se detiene.

Oh, Trouble.
 

De Utah a Nashville

Whitney Lusk nació y creció en Spanish Fork, Utah, y mantiene una fuerte conexión con su estado natal. Al mismo tiempo, su carrera la llevó a dividir su tiempo entre Provo, Utah, y Nashville, Tennessee, donde encontró otro de los centros fundamentales para su desarrollo como artista y compositora.

Su recorrido discográfico comenzó a tomar forma con “Good As It Gets”, su primer EP, publicado en 2024. El lanzamiento acompañó una etapa importante de su carrera, después de años de trabajar como artista invitada y telonera, y coincidió con el crecimiento de sus propios shows.

A fines de 2025 llegó “Gamblin' With My Heart”, su segundo EP de estudio. La canción que le da nombre al trabajo aborda la vulnerabilidad que implica arriesgarse por los propios sueños y también tuvo su propio videoclip oficial.

Durante 2025, Whitney también presentó “Heaven's Got a Good One”, una canción de tono emotivo que consiguió una importante atención en plataformas digitales.

Ahora, con “Trouble”, la cantante vuelve a apoyarse en uno de los elementos centrales de la música country: contar una historia. Esta vez, la protagonista no está tratando de salvar una relación. Está mirando de frente a la mujer que ayudó a terminarla.

A lo largo de los últimos años, Whitney Lusk también tuvo la oportunidad de abrir conciertos para artistas reconocidos del género, entre ellos Josh Turner, Russell Dickerson, Ella Langley y Maddie & Tae.

Con “Trouble”, Whitney pone una cara y un nombre a una vieja historia del country: la del amor que se pierde cuando alguien más aparece en el camino.

Hay canciones que no cuentan una historia de amor, sino una historia de supervivencia. “High Ground”, el nuevo tema de Dillon Carmichael, es una de ellas.

El protagonista está en un bar. Pide un trago, pide que suene George Jones en la rocola y siente que algo se le viene encima, como una tormenta. Sabe que es cuestión de tiempo antes de que lo arrastre.

Ella se fue con otro. Lo dejó atrás, sentado en un rincón, con su recuerdo dando vueltas en la cabeza. Por eso él le pone nombre a ese peso: la llama huracán.

“I gotta get to high ground”, dice. Tiene que salir de ese pozo antes de que el agua le llegue al cuello. No es una historia de pelea ni de amor a primera vista. Es la historia de alguien que se quedó solo y está haciendo lo posible por no dejarse llevar por los recuerdos.
 

De Kentucky a Nashville

Dillon Carmichael nació y creció en Burgin, Kentucky, un pueblo pequeño y rural de Estados Unidos. El country forma parte de su historia familiar: es sobrino de John Michael Montgomery y de Eddie Montgomery, la mitad del histórico dúo Montgomery Gentry. Hoy vive y trabaja en Nashville, Tennessee, la capital mundial del género, donde construye su propia carrera.

En 2023 lanzó Where I Grew Up, un EP de cuatro canciones muy personal que puso en primer plano sus raíces en el bluegrass. De ahí salió “Drinkin' Problems”, producida por Jon Pardi, que tuvo muy buen recibimiento comercial y sonó fuerte en las radios de Estados Unidos.

Un año después, en 2024, el Country Radio Seminar lo reconoció oficialmente como una de las New Faces of Country Music (Nuevas Caras de la Música Country), un sello de aprobación que pesa dentro de la industria de Nashville.

En 2025 llegó Keepin' Country Alive, su tercer álbum de estudio. Es un disco que celebra la vida rural y la narrativa tradicional del country, con canciones como “Raised Up Wrong”, junto a Chris Janson, y “Home”.
 

Lo que viene

2026 lo tiene activo. Antes de “High Ground” ya había lanzado “Huckleberry” y “Hangin' Up The Honkytonk”, dos adelantos de lo que promete ser su próximo proyecto discográfico.

Con este nuevo video, Dillon Carmichael sigue haciendo lo que mejor sabe: contar historias sencillas, de gente común, con la honestidad que siempre ha distinguido al country clásico.

“Threadbare Rags”, de Jimena Arroyo, muestra a una mujer después del final de una relación. Sigue adelante, pero está emocionalmente rota. Los recuerdos permanecen y aparecen una y otra vez, con una sensación extraña, como si todavía conservaran algo de aquella historia.

En esta historia musical, ella aparece cubierta de trapos viejos. Son pedazos de esperanza, sueños que alguna vez compartieron y recuerdos de una vida que ahora quedó atrás, sin él. Todo eso permanece cerca de ella, incluso después de que la relación terminó.

Los recuerdos aparecen de forma borrosa y se mezclan con una sensación de frío y desgaste emocional. Ella se envuelve en esos restos porque son lo único que todavía conserva. No intenta reconstruir la relación ni buscar una respuesta. Simplemente enfrenta lo que quedó.
 

“Threadbare Rags” fue escrita por Jimena Arroyo y Christopher Teffner. Teffner también estuvo a cargo de la producción.

Al presentar la canción en Instagram, Arroyo explicó que la escribió desde un lugar muy vulnerable, en un intento por aceptar su propia fragilidad. También agradeció a Christopher Teffner por ayudar a darle vida a la canción y a Brandon Allshouse por realizar la masterización.
 

 

 

 

 

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Makinna Givens presentó el videoclip oficial de “Pretty!”, su nuevo sencillo country, lanzado el 24 de junio de 2026 bajo el sello Givens Productions.

La canción cuenta una historia que comienza en un bar. Una mujer ve entrar a un hombre que inmediatamente llama su atención y, desde ese momento, no puede dejar de mirarlo.

Él llega con tierra en las botas. No es de la ciudad y camina por el bar hasta llegar al whisky. Cuando ella lo ve, piensa: “Lord have mercy!”

Es alto, moreno, tiene ojos marrones, pelo abundante y tatuajes. Ella lo observa y no encuentra nada que no le guste. Incluso sabe que probablemente su madre no aprobaría la elección, pero eso no parece importarle demasiado.

Hay otro problema: tiene que trabajar a las seis de la mañana. Aun así, la atracción es más fuerte. Si pudiera, se lo llevaría a casa, aunque después terminara con el corazón roto.

La situación cambia cuando él se acerca. Ella descubre que también sabe bailar y la noche empieza a tomar otro rumbo. En ese momento, dentro del bar, parece que no existe nadie más.
 

Givens describió el videoclip como dramático, divertido y cinematográfico. La producción estuvo a cargo de Roadhouse Productions, que llevó a imágenes la historia de la canción y su particular sentido del humor.
 

 

 

 

 

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Las raíces de Makinna Givens

Makinna Givens nació en Haileybury, Ontario, una comunidad de Temiskaming Shores, en el norte de la provincia canadiense. El lugar forma parte de sus raíces y de su identidad como artista.

Su carrera se construye de manera independiente. Givens escribe, graba y produce sus propias canciones y mantiene una dinámica constante de nuevos lanzamientos.

Antes de “Pretty!”, publicó “Time”, sencillo que también presentó en una versión acústica en directo, y “Cheap Cigarettes”, una canción que combina la narrativa del country con influencias de pop y rock. Este último tema consiguió rotación en SiriusXM Top of the Country.

Su camino comenzó con “If We Meet Again”, su canción debut. El videoclip fue elegido como “Video musical del mes” por la Country Music Association of Ontario.

También llevó su música a diferentes escenarios, con presentaciones en festivales como Crooks Rapids Country Fest y fuera de Ontario, incluyendo el CCMA Country Crawl en Saskatoon.

Ahora, con “Pretty!”, Makinna Givens suma una nueva historia a su catálogo. Una de esas canciones country que empiezan con una mirada y dejan abierta la pregunta de qué puede pasar después.

Alli Walker estrena el videoclip de su single “One Story House”, un tema de marcada identidad country-rock en el que la artista combina guitarras intensas, melodías envolventes y una interpretación cargada de actitud para contar una historia de amor, resiliencia y nuevos comienzos.

La canción está construida alrededor de la idea de dos personas que atraviesan juntas los cambios y las dificultades de la vida. Mudanzas, pueblos nuevos, alquileres atrasados y la necesidad de empezar nuevamente forman parte de una historia en la que el lugar puede cambiar, pero lo que permanece es el vínculo entre ellos.

Walker explicó en una de sus publicaciones que la canción está pensada “para todos los que se han mudado, han empezado de nuevo y han encontrado un hogar en la misma persona a través de todo”. La artista resumió además el concepto con una frase que juega con el título: “3 words, 2 hearts in a 1 story house”, e invitó a sus seguidores a compartir la canción con esa persona especial.

De esta manera, el verdadero hogar no aparece representado como un pueblo, una casa o un lugar determinado, sino como la persona que permanece a nuestro lado cuando todo lo demás cambia. Donde esté él, ella está en casa.
 

Con el lanzamiento, Walker también compartió algunos detalles de la producción de “One Story House”. La canción fue escrita por la propia artista junto a Emily Reid, Allison Veltz Cruz y Michael Carter, mientras que la producción estuvo a cargo de Dann Huff y David Huff.
 

 

 

 

 

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Tras presentar oficialmente el tema, Walker celebró que “One Story House” ya estuviera disponible en las plataformas de streaming y que su videoclip hubiera llegado a YouTube, agradeciendo a sus seguidores por el apoyo recibido durante el lanzamiento.

Actualmente, Alli Walker vive en Nashville, Tennessee, Estados Unidos, una de las principales ciudades vinculadas a la música country, donde continúa desarrollando su carrera musical.

49 Winchester publicó una performance en vivo de “Hays, Kansas”, registrada en el Roundhouse de Londres. El video salió hoy en su canal de YouTube y forma parte del registro audiovisual de su paso por el Reino Unido.

La presentación se remonta al show del 14 de octubre de 2025, cuando la banda llevó su gira “Welcome To The Holler” a la capital británica. Aquel concierto quedó registrado en video y ahora, varios meses después, sus performances comienzan a publicarse de manera oficial, una a una.

“Hays, Kansas”, de 49 Winchester, cuenta la historia de un tipo cansado de hacer las cosas mal. Quiere hacerlas bien.

Quiere levantarse bien, actuar como un adulto y tener lo que el otro ya tuvo. El alcohol se le cruza en el camino, todo se vuelve un poco más difícil y aparecen esas ganas de volver a acostarse. Cuando pone a George Jones, se abre una puerta y se pregunta si realmente hay algo más de qué preocuparse. Dice que eso no le toca a él.

Quiere a su pueblo y se queda con el recuerdo. Pero ahora ya no hay nada ahí para él. Entonces se va a Hays, Kansas, buscando un lugar donde no lo encuentren. Hay un local de autopartes, un mall y él, tratando de entender quién es y dónde está.
 

La formación de 49 Winchester estuvo integrada por Isaac Gibson en voz y guitarra, Chase Chafin en bajo, Bus Shelton en guitarra líder, Noah Patrick en pedal steel, Tim Hall en teclados y coros, y Justin Louthian en batería..

La dirección y edición del video estuvo a cargo de Rad Film Studios, mientras que la producción de audio fue realizada por Devin Deaver. La mezcla y edición estuvieron a cargo de Justin Louthian.

La cantante y compositora estadounidense Christiana Miller le puso imágenes a “If I Got You”, una canción que habla de cómo ella y él se quieren y que, pese a ese vínculo, tienen que separarse. La historia transcurre en un auto, bajo la lluvia, mientras ambos avanzan por la ruta, se agarran de la mano y encuentran cada vez más difícil cruzar el estado que los separa de lo que viene.

Los dos saben lo que hay que decir. Duele, pero ella intenta transmitirle que van a estar bien. En "If I Got You", ella dice que si lo tiene a él, puede irse detrás de un sueño, tomar la ruta y dejarse llevar por donde sople el viento.

Después llega el momento de soltar. Ella lo ve irse durante la noche, se queda en un bar y luego, en su habitación, termina durmiéndose mientras habla con él por teléfono. Y vuelve una vez más a la misma certeza: si él está, ella está bien.

"If I Got You" es una despedida con la promesa de que, mientras se tengan, el camino se puede seguir. Miller no plantea la separación como una ruptura definitiva, sino como uno de esos momentos en los que querer a alguien también significa dejarlo avanzar, aun cuando hacerlo duela.

La canción fue coescrita por Christiana Miller, Shane Thompson y Chris Molitor, quien además estuvo a cargo de la producción musical. En la interpretación, Miller cuenta con el acompañamiento de John Willis y del propio Molitor.

Esa historia se completa con un video que Miller produjo de manera independiente, con Caden Nelson como coprotagonista, filmado por Jade Eye Productions en las instalaciones de Mason Lounge, en Madison, Wisconsin. Sin calcar la letra escena por escena, las imágenes eligen sus propios momentos para contar lo mismo desde otro lugar: la pareja caminando de la mano por un bosque hasta llegar a la orilla de un lago, una camioneta vintage avanzando sola por una ruta rural al atardecer, Miller cantando con la guitarra en un bar de luz tenue. Hay también planos más íntimos, como una mano escribiendo en un cuaderno, ella recostada con el teléfono en la mano y la guitarra al lado, quedándose dormida, o una hoja con la letra manuscrita junto a una polaroid de los dos. El final llega de noche, con un abrazo, un beso y una última escena compartida en la caja de la camioneta.
 

Según la página oficial de Miller, la relación que ella tiene con la música comenzó mucho antes de su incursión como compositora. Nacida en una familia numerosa y musical, pasó buena parte de su vida viajando por los 48 estados continentales de Estados Unidos y Canadá, donde cantaba en iglesias. Ese recorrido terminó formando parte de su vínculo con diferentes tradiciones musicales y con una manera de contar historias a través de las canciones. Su madre también era compositora, aunque durante aproximadamente 25 años Miller sostuvo que no había heredado de ella esa capacidad. Cantaba y disfrutaba interpretar, pero la composición llegó más tarde. Fue en abril de 2024 cuando decidió dar ese paso y escribió "Preacher", su primer sencillo original.

Desde entonces, la artista comenzó a desarrollar su propio camino como compositora e intérprete. Actualmente combina presentaciones locales con viajes por Estados Unidos, donde también ofrece charlas y actuaciones musicales.

En sus canciones aparecen imágenes concretas, relatos y melodías que buscan transmitir emociones a través de situaciones reconocibles. Su propuesta recoge elementos del gospel, el country clásico, el folk y la música americana, influencias que ayudan a entender el lugar desde el que construye su identidad artística.

En "If I Got You", esa combinación aparece puesta al servicio de una historia sencilla: dos personas que se quieren, una ruta, una despedida y la necesidad de continuar. No hace falta una gran tragedia para que exista una canción sobre la distancia. A veces alcanza con saber que alguien se queda del otro lado del teléfono y que, mientras ese vínculo permanezca, todavía es posible seguir adelante.

Los artistas estadounidenses Keller Cox y The Castellows volvieron a encontrarse en “Way Things Work”, esta vez para presentar una versión Live Acoustic de la canción country que habían lanzado en colaboración.

Luego del visualizer que acompañó el lanzamiento del tema el pasado 14 de agosto, esta nueva propuesta audiovisual muestra a Keller Cox junto a las integrantes de The Castellows interpretando la canción en un mismo espacio, con una puesta sencilla que deja el protagonismo en las voces, las guitarras y la conexión entre los músicos.

“Way Things Work” cuenta la historia de una relación que, a pesar de lo vivido, simplemente no está destinada a funcionar. La canción plantea esa separación desde una mirada sincera, sin buscar culpables y aceptando que algunas personas toman caminos diferentes.

En esta versión acústica, esa idea adquiere un tono todavía más cercano. La interpretación permite apreciar con mayor claridad la voz de Cox y las armonías de The Castellows, características que aportan una identidad country neotradicional a la canción.

El tema fue escrito por Keller Cox, Dwight A. Baker y Walker Tuten y combina elementos del country clásico, la Americana y el folk.

La letra utiliza situaciones cotidianas para describir una relación que no encuentra su lugar, hasta llegar a una conclusión sencilla: hay una manera en la que las cosas funcionan en este mundo, y entre ellos simplemente no funciona.
 

Con este nuevo video acústico, Keller Cox y The Castellows le dan otra mirada a “Way Things Work”, esta vez desde una interpretación más despojada que pone en primer plano la canción y las voces de sus protagonistas.

La artista country estadounidense Hannah Harper sigue dando pasos firmes después de convertirse en la ganadora de American Idol en mayo. Ahora llega "Hold Your Horses", su segundo lanzamiento desde aquella victoria, una canción que encuentra a la cantante diciéndole a su cowboy que baje un cambio.

Antes de este tema, Hannah había presentado "Married Into This Town", un homenaje a su esposo, Devon, y a Willow Springs, Missouri, la ciudad donde creció y que ahora también considera su hogar.

La canción parte de una situación sencilla: él está acelerado, va de un lado al otro y parece convencido de que algo salió mal por culpa de ella. Hannah, sin embargo, no está dispuesta a cargar con una responsabilidad que no le corresponde, aunque tampoco busca entrar en una pelea; lo que hace, en cambio, es intentar frenarlo.

Lo quiere, y eso queda claro durante toda la canción. Simplemente, en ese momento no necesita que siga corriendo de un lado para otro como un loco, y por eso le ofrece tres alternativas: "simmer down, cowboy up, or hold your horses". Que se calme, que se haga cargo o que frene.

Hannah no pretende que deje de ser quien es, ni le pide que cambie su personalidad o pierda su esencia de cowboy. Le pide algo mucho más simple: que afloje, que respire y que mire bien lo que está pasando, porque ella sabe que no fue su culpa. Mientras él está completamente acelerado, ella prefiere otra cosa: bailar, respirar y disfrutar del momento.

Al final, la idea vuelve a quedar clara. Hannah lo quiere, pero antes necesita que se detenga.
 

El videoclip: la vida de campo como escenario

El video musical de "Hold Your Horses" lleva la historia al entorno rural que forma parte del universo de Hannah Harper, y su esposo Devon vuelve a ser protagonista junto a ella, con la relación entre ambos ocupando buena parte de las imágenes.

Hannah aparece en distintos momentos con diferentes looks: primero con rulos, un vestido rosa, escribiendo en una escena tranquila dentro de la casa; después sentada en el porche sobre un columpio de madera, tocando la guitarra con un vestido de encaje azul y el cabello suelto; y ya frente al granero y la camioneta, con un peinado elegante y un vestido largo de retazos de colores que se extiende sobre el pasto.

Una cabaña de troncos rodeada de árboles aparece como uno de los escenarios principales, y la luz cálida del interior contrasta con las escenas que transcurren afuera, donde el campo, los caballos, el granero y una clásica camioneta Ford verde y blanca construyen la estética del video. Los animales y los elementos rurales también tienen su papel: un caballo castaño aparece en primer plano, mientras Devon es visto junto a una cerca de madera y esa misma camioneta que se repite a lo largo del videoclip.

Pero son las escenas compartidas entre Hannah y Devon las que terminan de darle sentido al video. En uno de los momentos más destacados, ambos bailan juntos con absoluta naturalidad, se ríen, disfrutan de estar juntos y prácticamente no se quitan la mirada. No hay tensión en esas imágenes, sino cariño, atracción y una complicidad que se percibe en cada gesto, mostrando a una pareja que disfruta de su tiempo compartido en medio de un escenario que conecta directamente con la vida que Hannah construyó junto a Devon.

El cierre mantiene esa misma sensación: Hannah aparece con el cabello recogido y su vestido de colores, sonriendo mientras abraza a Devon por los hombros junto a la camioneta.

El videoclip fue dirigido y editado por Nathaniel Maddux, con Lily Nicolena Sales como asistente de dirección. Conner Mobley estuvo a cargo de la dirección de fotografía, Bryon Sweno fue el primer asistente de cámara, Chase Elliott estuvo a cargo de la iluminación, Vaughan Haney participó como asistente de producción y Collin Nash estuvo a cargo de la búsqueda de locaciones.
 

Una carrera que no deja de avanzar

Desde su triunfo en American Idol, la carrera de Hannah Harper tomó velocidad. La joven cantautora debutó en el Grand Ole Opry en junio y poco después dio otro paso importante al firmar con WME para su representación global.

Ahora continúa recorriendo escenarios con su String Cheese Tour, que lleva el nombre de la canción original que se hizo viral después de que Hannah la interpretara durante su audición en American Idol.

Esta vez, el mensaje es sencillo: no hace falta correr todo el tiempo. A veces hay que bajar un cambio, respirar y disfrutar de la persona que tenemos al lado.

La cantautora estadounidense Caroline Jones deja caer imágenes para “You’re It For Me, Honey”, una canción que convierte un flechazo en una decisión tomada sin demasiadas vueltas. Ella lo ve, se cruzan las miradas y sabe que es él.

“You're It For Me, Honey”, de Caroline Jones, es ella que lo ve y listo.

Se cruzan la mirada y a ella le pega de una. Dice que suena exagerado, pero le parece de película. No quiere algo a medias. Ya lo eligió y, cuando lo tenga, va con todo.

Él cree que la conquistó. Ella ya lo tenía elegido. Lo va a enamorar de a poco y, cuando esté, no lo va a dejar ir. Que deje lo que tenga entre manos y se quede con ella. Que se casen si hace falta. De este amor, dice, no se sale.

You’re it for me, honey. Si hay que pedir favores, si hay que dar el primer paso, lo hace. Lo quiere enamorado y quedarse con él. Que ensille, que se van.

No hay duda. Para ella es él, y él también lo sabe.

Esa seguridad que atraviesa la canción también aparece en las imágenes. El video musical presenta a Caroline Jones recostada, con el pelo suelto y unas gafas grandes, con la cara hacia la luz. El sol le da de frente y la escena transmite una sensación de calma, como si acabara de despertarse o de haber terminado de reírse.

Después aparece vestida de blanco, también sobre grandes rocas frente al mar, con una guitarra naranja. El viento le mueve el pelo. Más adelante corre por la orilla, entra al agua y sonríe. Luego se sienta en la costa, echa la cabeza hacia atrás y cierra un poco los ojos.

En otra escena se mira en un espejo grande, de marco dorado, con pósters detrás. También aparece en una sala con cortinas floreadas y dos sillones de cuero, donde se sienta, se toca las gafas y se acomoda un pañuelo.

Jones también baila, vestida de lunares y con los brazos abiertos. Después aparece en un barco: primero apoyada en la madera y luego en la proa, con el sol bajo a su espalda.

Lo que queda es eso: sol, agua, casa, un barco y ella pasando de un lugar a otro con la misma calma.
 

“You’re It For Me, Honey” forma parte de Good Omen, el álbum de Caroline Jones que se lanzó el 13 de febrero a través de Nashville Harbor Records & Entertainment.

El artista country estadounidense Kevin Powers muestra que las cosas pueden darse vuelta en “Who’s Drinking Now”

“Who’s Drinking Now”, de Kevin Powers, es él que vuelve al bar y se la cruza a ella.

La última vez se fue a lo loco: le arrancó la puerta, prendió el auto y se fue. Le dejó el heartbreak prendido, le quemó los puentes y se largó de Tennessee a buscar algo mejor, un happy ever after con otro. Él se mandó una borrachera larga y, después de un tiempo, volvió a pararse.

Ahora entra al mismo bar y ahí está ella. Miss left me in a dust cloud, sentada en el banquito, ahogando las lágrimas, tomando un doble de didn’t work out, dejando deudas en todos lados.

Y él no puede no decirlo: “look who’s drinking now”. Quién pide, quién tira para abajo, quién se toma lo que le tocó. Se dieron vuelta las cosas.

No es que vuelvan. Es él viendo que la que se fue ahora está donde él ya estuvo.
 

La canción, coescrita por Powers junto a Sean Cook, Geoff Warburton y Steph Jones, mezcla el espíritu del country de los 90 con una energía moderna y convierte una ruptura en una historia cargada de ironía.

Powers nació en Boston, creció en Raleigh y actualmente reside en Nashville. Antes de este lanzamiento, participó en la composición de “Amen”, de Shaboozey y Jelly Roll, canción ganadora del Grammy. También llegó al Top 40 de la radio country con “Move On”, junto a Shaboozey, y formó parte de su gira Great American Roadshow.

La artista country Stephanie Quayle, originaria de Montana, presentó el pasado 28 de agosto su nuevo álbum, The Seeker. Se trata de una colección de 10 canciones con sonidos country clásicos, reflexiones personales y un homenaje a una de las mujeres que la inspiraron a seguir persiguiendo su sueño musical: Dolly Parton. Además, hace pocas horas liberó el video musical de su corte difusión, "Cowboy Phase".

Musicalmente, Quayle se inclinó intencionalmente hacia los sonidos inconfundibles que enamoraron a fans de la música country desde sus inicios. 

“Cowboy Phase”, de Stephanie Quayle, es ella mirándolo a él. Empieza por las botas, el jean, si está demasiado prolijo o si de verdad labura. Le gusta cómo se viste, el pañuelo, la cara debajo del sombrero. Y en esa mirada dice que lo ve para siempre.

Algunos le van a decir que es una etapa. Ella no. Quiere vivir así toda la vida: un poco salvaje, un poco suelta, como un caballo que corre a lo que da. A eso le llama su “cowboy phase”.

Después le pregunta si sabe manejarla, si la frena cuando hace falta, si la entiende de verdad. Quiere saber si reza antes de comer, si agradece lo que sale de la tierra y si se ocupa de los campos. Si es ese tipo de hombre, otra vez lo ve para siempre.

Al final lo manda a manejar hasta el límite del pueblo, cada uno con su caballo, a ver si esta vez la alcanza.

No es una pelea ni un adiós. Es ella enamorada de él y de esa vida, y diciendo que, aunque parezca una moda, lo quiere para quedarse.
 

El videoclip fue dirigido por Rachel Deeb y Natalie Simmons, y producido por la propia Deeb, con Simmons a cargo de la dirección de fotografía.

Quayle creció en una granja de Montana rodeada de ganado y caballos antes de mudarse a Nashville. Desde entonces, ha acumulado más de 26 millones de reproducciones independientes, llegó a millones de oyentes en las radios country de Norteamérica y se ha presentado en varias oportunidades en el prestigioso Grand Ole Opry, el templo de la música country donde, de hecho, volverá a subirse al escenario este próximo sábado 5 de septiembre.

El cantante y compositor estadounidense Tyler Braden vuelve a poner su voz al frente con una nueva interpretación de “Thank Me For That”, uno de los temas que marcó sus primeros pasos dentro de la música country.

La canción, publicada originalmente de manera independiente en 2019, ahora forma parte de su serie “One Song, One Take”, un formato en el que Braden apuesta por interpretaciones en vivo, acústicas y sin cortes, dejando que la canción ocupe el centro de la escena.

“Thank Me For That”, de Tyler Braden, es un tipo que se banca lo que le pasa.

Casi todo tiene explicación. La rodilla hecha bolsa, por el fútbol de los viernes. La cicatriz en la barbilla, por pelearse por su mejor amigo. El yes sir, yes ma’am y no aflojar, se lo enseñó el viejo. Lo de bajar la cabeza y decir amén, se lo dejó la mamá.

Con ella no. No hizo nada mal. Si le hubiera mentido con otro, capaz le costaba menos irse. Lo único que le puede decir es que con ella el mundo le quedaba mejor. Y él igual se fue.

Por eso, cuando cierra el bar y le dan ganas de llamarla, pone un lado B de Whitley y se queda trabado en algo que ya no vuelve, dice: “you can thank me for that”. Extrañarla, no poder cortar, la cabeza hecha un lío: cuando busca un culpable, se mira al espejo.

No es “ella me dejó”. Es él diciendo que la cagó él.
 

Ese peso emocional encuentra otra forma en la interpretación de “One Song, One Take”. Sin una producción que se interponga entre la canción y quien escucha, Braden deja que su voz cargue con buena parte de la historia.

Nacido en Alabama, el artista fue construyendo su camino a fuerza de presentaciones y trabajo constante hasta incorporarse a Warner Music Nashville. Su propuesta combina la tradición del country con una marcada influencia del rock, especialmente visible en una voz potente que gana protagonismo en este tipo de sesiones.

A través de “One Song, One Take”, Braden también ha presentado nuevas versiones de canciones como “Horseshoes & Hand Grenades”, “Evergreen” y “My Americana”, disponibles en su canal oficial de YouTube.

Con “Thank Me For That”, el cantante recupera una canción de sus comienzos y la vuelve a llevar a un terreno más despojado, donde la historia de alguien que reconoce sus propios errores queda nuevamente en primer plano.

Hay borracheras y borracheras. Están las que terminan en gritos, en una billetera perdida o en una noche adentro de un patrullero. Y después está la que retrata Taylor Austin Dye en el video musical oficial de su nuevo tema: la que no hace ruido hacia afuera, pero baja las defensas hacia adentro y empuja a buscar a esa persona que, en frío, uno sabe que no conviene.

En "Bad Drunk", la cantante de country construye un narrador que se compara con otros bebedores problemáticos y llega a una conclusión incómoda: el suyo es un problema distinto. No hace falta mucho. Un trago alcanza para marcar un número de Nashville, el 615, y esperar a que esa persona aparezca en el bar. Lo que en estado sobrio suena directamente a mala idea, el beso, la recaída, despertarse al lado de alguien, con alcohol de por medio deja de parecer tan grave. Al día siguiente, ese mismo narrador se mira al espejo y no encuentra mejor palabra que "tonto" para describirse.

El estribillo va al hueso: es un "mal borracho" no porque se ponga violento o pierda el control en público, sino porque mientras sigue tomando, no logra soltar a esa persona. El alcohol, en esta historia, no saca al personaje descontrolado a la calle; lo vuelve insistente con un deseo que ya conoce de memoria y que, despierto, preferiría no alimentar.

Con tono de crónica country, "Bad Drunk" describe un ciclo que a muchos les va a sonar conocido: la copa, el mensaje, la noche compartida y la resaca de arrepentimiento que llega con el sol. Dye no lo romantiza ni lo carga de drama de más. Simplemente lo nombra, y ahí está buena parte de la fuerza tanto de la canción como del video que la acompaña.
 

Oriunda de los valles y colinas del este de Kentucky y hoy radicada en Nashville, Taylor Austin Dye se perfila como una de las voces jóvenes más prometedoras del country actual. Su estilo, directo y sin vueltas, bebe de las raíces más rebeldes del género. Sus seguidores, que se hacen llamar "Ride or Dye", suelen describir sus canciones como atrevidas, seguras de sí mismas y auténticas: tres palabras que tanto la canción como su video parecen confirmar de punta a punta.

La artista celebró el estreno del video a través de Instagram, donde escribió: "BAD DRUNK ya es oficialmente de ustedes. Esta canción significa muchísimo para mí y es un honor compartirla con todos. Con cariño, TAD... ¡Salud!".

Paige Fish no es una jugadora de fútbol americano. Es una joven cantante y compositora de música country que viene ganando espacio con “Quarter Back”, una canción que toma referencias de ese deporte para contar una historia de amor, arrepentimiento y ganas de volver atrás.

“Quarter Back” tiene su propio videoclip oficial y una melodía pegadiza que contrasta con una historia marcada por el arrepentimiento: una mujer que decidió irse, buscó empezar de nuevo y terminó descubriendo que todavía piensa en la persona que dejó atrás.

En “Quarter Back”, la protagonista se da cuenta de que se fue por las malas. El amor le venía saliendo mal: “lately love has been a losing game”. Trabajaba de más y, aun así, siempre llegaba última. Entonces se prometió irse de Utah, darse una vuelta por Broadway, buscar un cowboy y una jukebox. Y lo hizo.

El video musical acompaña esa historia con una estética muy estadounidense. Paige aparece con la típica campera universitaria de fútbol americano, conocida como varsity jacket, mientras las imágenes le dan a la canción un tono nostálgico que encaja con esa idea de mirar hacia atrás y preguntarse si la decisión tomada fue realmente la correcta.

El problema es que el nuevo comienzo tampoco funciona. Ella no quiere a ese hombre. Quiere al que dejó atrás: “baby, I just want my quarterback”. Pone esta canción y el de ahora se ilusiona, como si entre ellos pudiera haber algo más. Pero ella sabe que no quiere seguir con él.

Hablaron, bailaron y lo intentaron, pero nada le alcanza. Por eso tampoco está buscando una noche de bar ni necesita otro Jack. Lo que quiere es recuperar al que realmente le importa.

Y tampoco quiere verlo con otra persona. Si ese hombre termina casándose con otra, ella no quiere quedarse mirando desde las tribunas: “I can’t be watching from the stands”. La imagen vuelve a llevar la historia al terreno del fútbol americano, donde el quarterback termina funcionando como algo más que una posición dentro del campo.

No es una noche de bar ni un flechazo nuevo. Es una mujer que se escapó y ahora quiere volver con el hombre que de verdad le importa. Ahí está buena parte de la historia de “Quarter Back”: descubrir que alejarse no siempre alcanza para dejar atrás lo que uno siente.
 

Paige Fish nació en Springville, Utah, y creció rodeada de una familia muy musical. Ese ambiente estuvo presente desde sus primeros años y acompañó el camino que finalmente la llevó a dedicarse a la música.

Hoy vive en Nashville, Tennessee, donde desarrolla su carrera artística y busca hacerse un lugar dentro de la escena country. La ciudad es también el punto de encuentro de buena parte de la industria de la música country estadounidense.

“Quarter Back” llega además en un momento importante para la cantante. El sencillo es la antesala de su álbum debut, “Midnight Crisis”, que será lanzado el próximo 2 de octubre de 2026 bajo el sello Atlantic Outpost.
 

 

 

 

 

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Así, la canción no solo presenta una nueva historia de Paige Fish, sino que también permite conocer un poco del camino que la artista está empezando a recorrer. Por ahora, su quarterback sigue siendo el hombre al que quiere recuperar.

El artista multiplatino de Sony Music Nashville, Corey Kent, le dio vida a “Everyday Life”, un video musical que adelanta su próximo álbum, Heartland Rock and Roll, que saldrá el 25 de septiembre. 

Un emotivo tema que ofrece una reflexión sincera sobre las bendiciones cotidianas, el esfuerzo y la gratitud que conlleva construir una vida por la que estar agradecidos. 

Escrita por Kent junto a Austin Goodloe, Matt Roy y Lydia Vaughan, “Everyday Life” muestra a Kent mirando más allá del ruido y celebrando lo que más importa: la familia, el trabajo duro, una vida construida juntos y la simple constatación de que a veces tenerlo todo significa apreciar el lugar donde estás. 

En la letra, Corey Kent pone en palabras el valor de una vida sencilla pero plena: “Lo tengo todo, me va bien, tengo mucho que no se puede comprar. Tengo una esposa, tengo hijos y hemos podido salir adelante. Cuesta trabajo, es un esfuerzo constante, pero aun así me acuesto cada noche dándole gracias a Dios por esta vida de todos los días”. 

Esta historia musical viene acompañada de un nuevo videoclip que da vida al mensaje de la canción desde una perspectiva profundamente personal, con la familia de Kent en su debut en un video musical. Este íntimo video ofrece una mirada a los momentos cotidianos del artista y a la vida que inspira su música. 
 

“Everyday Life” continúa el lanzamiento de Heartland Rock and Roll, una obra que finalmente da nombre al sonido que Kent ha estado construyendo durante años. 

Corey Kent bautizó oficialmente su identidad musical con Heartland Rock and Roll, un ambicioso proyecto de 16 canciones lanzado bajo el sello Sony Music Nashville. El artista originario de Oklahoma utiliza este título para definir su propuesta sonora: una fusión cruda y enérgica de country, rock rebelde y soul raspado que captura la mentalidad trabajadora y la nostalgia del corazón de Estados Unidos. 

El álbum cuenta con colaboraciones de alto perfil dentro de la escena country actual. Entre los temas más destacados aparecen “Rather Be Here”, junto a la superestrella Jason Aldean, y “Rocky Mountain Low”, una potente canción impulsada por guitarras en colaboración con Koe Wetzel. También incluye canciones profundamente personales y otras que reflejan los orígenes de Kent. 

El próximo lanzamiento sigue a los proyectos anteriores de Kent, Blacktop y Black Bandana, con los que el cantautor fue consolidando su lugar dentro de la música country. 

La trayectoria de Kent cuenta con varios reconocimientos. “Something’s Gonna Kill Me” alcanzó la certificación Platino, mientras que “This Heart” obtuvo la certificación Oro. Su mayor éxito hasta el momento es “Wild As Her”, que llegó al número uno y fue certificado Triple Platino en Estados Unidos. 

Su propuesta también despertó el interés de importantes medios y espacios de la música country. Rolling Stone destacó la manera en que el artista incorpora una mirada actual al sonido de su Oklahoma natal, mientras que CMT y Opry NextStage lo incluyeron entre los nombres con mayor proyección. En los últimos años, además, Kent realizó giras junto a figuras como Morgan Wallen, Jason Aldean, Parker McCollum, Jon Pardi y Koe Wetzel.

Little Big Town continúa escribiendo un nuevo capítulo de su carrera con It’s a Dying Art, su nuevo álbum de estudio que vio la luz el 28 de agosto. La banda, múltiple ganadora del GRAMMY® y con varios discos de platino, llegó a este trabajo después de Mr. Sun, el álbum que había presentado en 2022, tras cuatro años sin material nuevo.

“Dying Art”, de Little Big Town, es una canción sobre una pareja que ya lleva años junta. No cuenta un enamoramiento nuevo ni una pelea de última hora. Habla de ella y el que ya vieron pasar días, lluvias y años, y que igual siguen ahí.

La letra lo dice claro: el “para siempre” es una apuesta a ciegas, el mundo intenta romperlos y el tiempo no vuelve atrás. Aun así, no se desarman. El estribillo resume eso: este tipo de amor, el que se queda y no se cae a pedazos, cada vez se ve menos. Por eso lo llaman un arte que se está muriendo.

Hay imágenes de casa y de costumbre: el cuadro en la pared, los pasillos donde quedó escrita su historia, una mano de pintura cuando las cosas se desgastan. Después los baja al piso de abajo, de noche, con dos copas de vino. No para resolverlo todo de un golpe, sino para seguir intentándolo. Y el cierre no cambia: después de todo este tiempo, todavía están bien.
 

“Dying Art” llega después de una serie de adelantos que Little Big Town fue presentando antes de completar el lanzamiento del álbum. El recorrido comenzó con “Hey There Sunshine”, canción que la banda interpretó en vivo durante la 61.ª edición de los Academy of Country Music Awards. Luego llegaron “Over and Over”, “Sucker For A Sad Song”, junto a Ashley Monroe, y “We Could Have It All”. El último adelanto antes del lanzamiento completo fue “Closing Time”, junto a Kelsea Ballerini.

En la producción de It’s a Dying Art participaron Gena Johnson, dos veces ganadora del GRAMMY®, y Karen Fairchild, integrante de Little Big Town. El álbum reúne canciones atravesadas por historias personales y diferentes formas de mirar las relaciones, con la banda nuevamente apoyándose en las armonías vocales que forman parte de su identidad.

El lanzamiento del disco también abrió una nueva etapa sobre los escenarios. Little Big Town comenzará el For The Art Of It Tour el 24 de septiembre en San Petersburgo, Florida. La gira, producida por Live Nation, recorrerá distintas ciudades de Estados Unidos y Canadá, entre ellas Atlanta, Boston, Filadelfia, Dallas, Houston, Chicago y Toronto.

La agenda del grupo también tendrá una parada especial en Nashville. Del 8 al 10 de diciembre, Little Big Town regresará al histórico Ryman Auditorium para realizar su tradicional show navideño, en el que combinará villancicos con algunas de las canciones más conocidas de su carrera. Será el segundo año consecutivo que la banda celebra allí la llegada de las fiestas.